Author: Carlos Franco-Galván

Marcha de Intervalos

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Un intervalo armónico es la distancia entre dos notas que suenan al mismo tiempo. Estos intervalos determinan cómo se percibe la armonía, desde el reposo y la estabilidad hasta la tensión y el movimiento.

Los intervalos consonantes suenan estables y resueltos. Se integran de manera suave y se utilizan comúnmente para construir la armonía:

  • Unísono
  • Octava
  • Quinta justa
  • Cuarta justa (dependiendo del contexto)
  • Terceras mayores y menores
  • Sextas mayores y menores

Los intervalos disonantes generan tensión e inestabilidad, y a menudo requieren resolución:

  • Segundas mayores y menores
  • Tritono
  • Séptimas mayores y menores

La consonancia y la disonancia trabajan en conjunto. Sin disonancia, la música carece de movimiento; sin consonancia, carece de reposo. El equilibrio entre ambas es lo que le da a la armonía su poder expresivo.

La siguiente pista busca explorar los distintos intervalos armónicos y la forma en que se relacionan entre sí, utilizando un tema básico que aparece a lo largo de toda la pieza. A continuación se presenta la partitura:

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Cada vez que el tema reaparece, se emplea un intervalo distinto. Se utilizan los diferentes intervalos básicos que se encuentran en la escala mayor. Se invita al lector a escuchar la pista en el siguiente enlace:

Los intervalos consonantes pueden distinguirse fácilmente de los disonantes. Estos últimos aparecen en los compases 25 al 30. En el compás 32 se regresa a las terceras estables para aproximarse al final, desacelerando el tempo y resolviendo mediante una cadencia tradicional de sensible a octava

Interval March

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A harmonic interval is the distance between two notes sounded at the same time. These intervals shape how harmony feels, from rest and stability to tension and movement.

Consonant intervals sound stable and resolved. They blend smoothly and are commonly used to build harmony:

  • Unison
  • Octave
  • Perfect fifth
  • Perfect fourth (depending on context)
  • Major and minor thirds
  • Major and minor sixths

Dissonant intervals create tension and instability, often calling for resolution:

  • Minor and major seconds
  • Tritone
  • Minor and major sevenths

Consonance and dissonance work together. Without dissonance, music lacks motion; without consonance, it lacks rest. Their balance is what gives harmony its expressive power.

The following track, seeks to explore the different harmonic intervals and how they relate using a basic theme that appears all over the piece. Take a look at the music:

interval marchDescarga

Each time the theme shows up, a new interval is used. The different basic intervals found on the major scale are used. The reader is invited to listen to the track:

The consonant intervals can be easily distiguished from the dissonant ones. The latter appear on measures 25 to 30. In measure 32 we go back to the stable thirds to approach the ending by slowing down the tempo and resolve in a traditional leading tone-octave cadence.

Compases Irregulares

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A veces resulta interesante utilizar diferentes compases en una composición musical. Esto le da al oyente la sensación de algo incompleto, como si la música tartamudeara. La siguiente pieza se llama Broken Heel. Sus primeros 48 segundos consisten en un compás de 4/4 seguido por uno de 3/4. El resto de la pieza ya está en 4/4 pero el primer tiempo de cada compás va en silencio. El título surge como una analogía al sonido de pasos desiguales al caminar.

Desde un punto de vista técnico, la combinación de ambos compases puede leerse como 7/4. Esto significa que tenemos siete pulsos por compás, quizá el más común de todos los compases irregulares, pero funciona porque el oyente percibe que falta algo.

La mayoría de la música que escuchamos está escrita en compases binarios o ternarios, por eso los compases diferentes a esos resultan peculiares.

En la música popular, los compases irregulares a veces se utilizan para adaptar letras largas dentro de una frase musical. Un ejemplo común son los versos de “All You Need Is Love” de The Beatles. o “Money” de Pink Floyd con sus 7/4 de compás.

Los compases regulares, como el 4/4 —generalmente llamado compás común—, se relacionan estrechamente con el movimiento humano, como caminar o respirar. Tal vez esa sea la razón por la que los compases regulares se usan tanto; sin embargo, a veces es bueno moverse de forma asimétrica o caminar con un tacón roto para sentir la diferencia.

Irregular Time Signatures

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It is sometimes interesting to use different time signatures in a musical composition. It gives the listener the feeling of something incomplete, as if music was stammering. The following piece is called Broken Heel. Its first 48 seconds consists of a 4/4 bar followed by a 3/4 bar. The remaining of the piece stays in 4/4 but the first beat is a rest. The title of the piece results as an analogy of uneven walking steps.

Technically speaking, the combined time signature can be read as 7/4. It means we have seven beats each bar, maybe the most common of all irregular meters, but it works because the listener feels as if something was missing.

Most of the music we listen to, is written using binary or ternary meters, that is why meters different to those turn out peculiar.

In popular music, irregular time signatures can sometimes be applied to adapt long lyrics on a musical phrase. A common example are the verses in All you need is love by The Beatles or Money by Pink Floyd wich as a time signature of 7/4.

Regular time signatures like 4/4 usually called common time relates closely to the human movement like walking or breathing. Perhaps that is the reason why regular time signatures are highly used but sometimes it is good to move asymmetrically or walk with a broken heel to feel the difference.

Road for Piano and Bass

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Road for Piano and Bass es un single instrumental de Carlos Franco que dura aproximadamente 4 minutos y 24 segundos y presenta una interacción íntima entre dos instrumentos fundamentales: el piano y el bajo.

Desde el primer compás, Road for Piano and Bass destaca por su simplicidad elegante y su enfoque en la conversación musical entre piano y bajo. El piano propone motivos melódicos claros y articulados que caminan sobre una base rítmica sólida, mientras que el bajo actúa tanto como soporte armónico como contrapunto melódico. (music.amazon.es)

A diferencia de composiciones más ornamentadas o con arreglos densos, esta pieza se beneficia de la economía de elementos: cada instrumento tiene espacio para respirar, desarrollar ideas y responder al otro. El resultado es una pieza musical que suena a la vez íntima y dinámica, ideal para quienes aprecian la interacción directa y transparente entre dos voces instrumentales.

El título Road for Piano and Bass sugiere un camino, un viaje musical, y esa metáfora se cumple en la escucha: la estructura sonora transita por secciones que alternan momentos más reflexivos con otros más rítmicos y fluidos. Esto le da al oyente la sensación de un recorrido, como si cada frase fuera una curva o paisaje diferente en esa “carretera” musical.

Este single es una muestra clara del enfoque compositivo de Carlos Franco hacia la música instrumental: una riqueza expresiva que surge de la interacción directa entre instrumentos, sin adornos innecesarios. Road for Piano and Bass es ideal para quienes buscan una pieza que combine técnica, musicalidad y conversación instrumental en un formato breve pero evocador. (music.amazon.es)

Piano Solo

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Claro — aquí tienes una reseña del álbum Piano Solo de Carlos Franco basada en la información disponible sobre este lanzamiento:

El álbum Piano Solo de Carlos Franco es una obra que abraza la esencia del piano como instrumento narrador: desnudo, expresivo y lleno de matices. Publicado en 2025, este proyecto muestra al compositor y pianista en su forma más personal —explorando sonidos, texturas y emociones sin la compañía de otros instrumentos, lo que permite que cada nota respire con autonomía. (Amazon Music Unlimited)

Lo que distingue a este álbum es cómo Franco juega con contrastes dinámicos y texturales:

  • Atardecer y Atardecer Impro parecen dialogar entre sí, ofreciendo variaciones líricas sobre un mismo motivo.
  • Glass y Glass Impro funcionan como variaciones de un mismo concepto sonoro, donde la repetición y la improvisación se fusionan.
  • Variaciones explora la transformación temática con una sensibilidad casi clásica, acercándose a nociones de forma y desarrollo.
  • La suite final, Eslabón Suite, es una pieza más extensa que amalgama motivos y estados de ánimo, cerrando el álbum con una sensación de resolución y viaje completado.

Aunque Piano Solo no se encasilla en un solo género, el enfoque de Franco recuerda tanto a la música clásica contemporánea como a la improvisación íntima del jazz moderno. La ausencia de acompañamiento instrumental convierte cada composición en una conversación directa entre el intérprete y el oyente, transmitiendo una variedad de estados —desde lo introspectivo hasta lo efusivo.

Piano Solo es un reflejo del compromiso de Carlos Franco con la música como lenguaje expresivo puro. Al desnudar su sonido y dejar que el piano hable sin adornos, Franco entrega un álbum que invita a la escucha atenta, una obra que recompensa a quienes se sumergen en sus matices y atmósferas. Es un viaje musical personal, lleno de sensibilidad, técnica y emoción, ideal para quienes aprecian la voz íntima del piano en su forma más esencial.

Ideas

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Ideas es un álbum del músico y compositor Carlos Franco-Galván lanzado en 2022, parte esencial de la discografía que refleja su espíritu creativo e independiente. (Spotify)

A diferencia de un proyecto convencional, Ideas surge del juego musical y de la experimentación con software de instrumentos virtuales. La premisa del álbum —como su título lo sugiere— fue construir piezas musicales que nacieran de una primera o segunda idea improvisada, y a partir de estas germinar composiciones que se sienten orgánicas y auténticas.

Carlos Franco, quien no solo compone sino que también interpreta una gran parte de los instrumentos (como sintetizadores, bajo, guitarra y voces), dirige y produce el álbum con una visión profundamente personal. Este enfoque refleja tanto una independencia artística como una búsqueda constante por nuevas formas de expresión sonora.

Ideas no se adscribe a un solo género. Más bien, mezcla elementos de pop, rock alternativo, ambient y composiciones experimentales, logrando un tapiz sonoro que suena coherente y variado. Algunas de las pistas musicalmente evocadoras incluyen títulos como:

  • Inner Dance
  • Bass and Strings
  • Heartbeat
  • Miracle
  • Child Song
  • Realize
  • Black Spade
  • Farewell

Estas composiciones muestran un equilibrio entre melodías introspectivas, texturas electrónicas y momentos más ligeros o emocionales. La construcción de cada tema parece responder a una intención diferente —ya sea evocar una sensación, explorar un motivo armónico o simplemente jugar con timbres y ritmos.

El título del álbum es doblemente significativo: hace referencia tanto al proceso creativo como a la naturaleza fragmentaria y fluida de las composiciones. Carlos Franco ha comentado que las piezas se desarrollaron a partir de pequeñas ideas musicales, integradas unas con otras para formar un conjunto que, aunque diverso, mantiene cohesión a través de una visión unificadora.

Ideas no es solo una colección de canciones, sino un ejercicio de exploración musical: invita al oyente a acompañar al artista en un viaje de descubrimiento, reflexión y musicalidad sin barreras rígidas de género.

Si hay una palabra que define Ideas, esa es curiosidad. Este álbum es un testimonio de cómo la música puede ser, ante todo, un laboratorio de pensamientos sonoros. Ya sea que te acerques a él como escucha casual o como músico en busca de inspiración, Ideas de Carlos Franco ofrece un paisaje sonoro rico, variado y honesto —una muestra de que, en la música, a veces las mejores piezas nacen de una simple idea.

Usando solamente dos acordes

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A veces, en la música, no queremos pasar mucho tiempo pensando en una armonía creativa. Existen dos acordes que son básicos para acompañar prácticamente cualquier melodía.

Esos acordes son la tónica I y la dominante V. Dado que este último tiende a resolver hacia el primero, esta combinación funciona siempre, y tales acordes pueden usarse durante toda una pieza formando un buen ostinato.

Como ejemplo, queremos presentar una canción pop llamada Luz del Corazón.

Analicemos la grabación para establecer un punto:

Si uno escucha con atención el teclado, éste solo se mueve de Fa a Do. El resto de la canción lo complementan la batería, la guitarra y el bajo. Sobre todo ello aparece la melodía, con letra cantada por el autor de estas líneas.

El lector podría preguntar: “¿Qué hace interesante esta canción si solo presenta dos acordes?”. En este caso, la variedad en el ritmo y en la línea melódica del bajo.

La guitarra rítmica se mueve en corcheas, y la grabación tiene un efecto sobre la guitarra que la hace perfecta en el tiempo. Por lo tanto, se convierte casi en un colchón armónico.

El bajo, por otro lado, “canta” una melodía en estilo contrapuntístico con la voz. Básicamente toca notas de los arpegios y de las escalas mayores, pero imita rítmicamente al cantante.

La melodía de la canción tiene dos partes bien definidas: A y B. Esta condición ayuda a reforzar el contraste entre melodía y armonía.

Puede ser útil para el compositor tener una progresión armónica sencilla, pero es necesario comprometerse para que suene interesante. La melodía debe encargarse de aportar variedad, al igual que los instrumentos o voces acompañantes.

Invitamos al lector a intentarlo: escriba una canción usando solamente dos acordes.

When using a two chord-porgression only

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Sometimes in music, we don’t want to spend much time thinking of a creative harmony, there are two chords which are basic to accompany virtually any melody.

Those chords are the tonic I and the dominant V. Since the latter tends to solve to the first one, this combination works all the time and such chords can be used during a piece of music forming a nice ostinato~like harmonic rhythm.

As an example, we would like to present a pop song named Luz Del Corazon.

Let us analyze the recording to establish a point:

If one listens closer to the keyboard, it only moves from F to C. The rest of the song is fulfilled by drums rhythm, guitar, and the bass. Above all this comes the melody, with lyrics sung by the author of these lines.

The reader might ask:  “What makes this song interesting if it only presents two chords?” in this case, the answer is: variety in rhythm and melodic base line.

Rhythm guitar moves in eight notes, the recording has an effect on the guitar that makes them sound perfect in tempo. Therefore, it becomes a harmonic pad.

The bass on the other hand, “sings” a melody in counterpoint with the vocals. It basically plays notes from the arpeggios and major scales but imitates the singer rhythmically.

The melody of the song has two well defined parts: A and B. This condition helps to enhance the contrast melody-harmony.

It can be resourceful for the composer to have a simple harmonic progression, but compromise is necessary to make it sound interesting. The melody needs to take care of the variety, as well as accompanying instruments or voices.

We invite the reader to give it a try: Write a song using two chords only.

 

 

 

 

Cambios de tonalidad y modo en una pieza para piano y bajo

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Generalmente, el modo y la tonalidad se modifican para obtener el contraste deseado en una composición. En este caso, analizamos diferentes estrategias de cambio utilizando una pieza para piano y bajo eléctrico.

Veamos la partitura:

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Los primeros compases rinden homenaje directamente al Concierto para piano “Emperador” de Beethoven. En este caso, el piano actúa como la orquesta y el bajo eléctrico interpreta la parte que, en la obra del compositor alemán, corresponde al piano. La interacción entre ambos instrumentos funciona estableciendo un acorde mayor seguido de 4 compases de improvisación libre del bajo. Vale la pena mencionar que, en las obras de Beethoven, aquello que originalmente se concebía como improvisación terminó por convertirse en música escrita en la partitura, como cualquier otra línea melódica.

Primer contraste: El motivo aparece en el compás 12 claramente en tonalidad de Do, pero luego se transforma a Do mixolidio, que actúa como dominante secundaria hacia Fa en el compás 15. Inmediatamente después, el motivo aparece en retrogradación en los compases 16 y 17 (segundo contraste).

Tercer contraste: surge en el compás 18, donde el motivo reduce su figura rítmica de semicorchea a corchea (aumentación).

Cuarto contraste: se encuentra en el compás 23, donde el ritmo cambia a corcheas (disminución), dando mayor protagonismo al bajo eléctrico, que se desplaza con un carácter de walking bass. Además, en ese mismo compás, un acorde de Re menor toma el protagonismo sin modular completamente a esa tonalidad.

En el compás 28 ocurre un quinto contraste en el piano, donde se presenta un intercambio modal, pasando de Re menor a Re mayor y luego a Re locrio en el compás 29.

El compás 29 muestra otro cambio: vuelve al motivo original en Do, pero súbitamente se desplaza a su paralelo menor, Do menor (sexto contraste).

La tonalidad cambia nuevamente a Re menor en el compás 34 y el modo pasa a Re locrio, y otra vez a Mi bemol en los compases 35 y 36 respectivamente. Esto representa un séptimo contraste, hasta que finalmente modula a Mi mayor en el compás 39.

De los compases 40 a 47 el bajo toma la melodía en Mi. Surge el octavo contraste y de 48 a 50 se visita la tonalidad de Re menor.

Desde el compás 51 la tonalidad cambia a su paralelo mayor, Re, y el piano vuelve a tomar protagonismo (noveno contraste). La armonía cambia de Si menor a Re, y en los compases 55 a 59 el bajo y el piano dialogan en movimiento contrario (décimo contraste). Los compases 57 a 59 avanzan lentamente para anunciar el final de la pieza.

El undécimo y último contraste, de los compases 60 a 63, presenta el motivo original disminuido en tiempo y tempo, a manera de despedida.

La grabación puede escucharse aquí: