Un aire en música es la forma de denominar una melodía para una sola voz, he aquí un ejemplo escrito por un servidor:
La interpretación corre a cuenta del maestro Héctor Pérez, flautista. Un joven maestro originario de Puebla capital.
Esta composición está realizada siguiendo la recomendación número tres del maestro Macías en su libro Doce Maneras de Abordar la Composición Musical. El lector o lectora lo puede conseguir en este vínculo:
En este caso, nos valimos de la famosa Brandinerie de Bach. Que se muestra abajo. A la composición se le hicieron variaciones quedando la siguiente idea:
En su capítulo III, Gonzalo Macías propone que para componer una melodía para un instrumento que no conocemos podemos partir de un fragmento musical ya existente en dicho instrumento y de ahí realizar modificaciones.
Para conocer un poco más del registro del instrumento, revisamos también, tal como sugiere el libro, un fragmento de Debussy en Siesta de un Fauno.
Luego de ver esto quizás se piense que estamos plagiando a otro autor pero muchas obras musicales hoy célebres, derivan de obras musicales anteriores. Es una práctica común.
Podemos así, con toda confianza, realizar composiciones que sabemos funcionarán bien en la práctica.
In music, an air is the term used to refer to a melody for a single voice; here is an example written by the author:
The performance is by Maestro Héctor Pérez, a flutist—a young master originally from the city of Puebla.
This composition was created following recommendation number three by Maestro Macías in his book Doce Maneras de Abordar la Composición Musical. The reader can access it at the following link:
In Chapter III, Gonzalo Macías proposes that in order to compose a melody for an instrument we are not familiar with, we can start from an existing musical fragment written for that instrument and then make modifications.
To gain a better understanding of the instrument’s range, we also reviewed—as the book suggests—a fragment from Debussy’s Prélude à l’après-midi d’un faune.
After seeing this, one might think that we are plagiarizing another author, but many musical works that are celebrated today derive from earlier compositions. This is a common practice.
In this way, we can confidently create compositions that we know will work well in practice.
El músico profesional, en el inconsciente colectivo, se dedica a interpretar música, grabada o en escena. Ya sea de manera solista o en ensamble. A cambio obtiene una retribución económica.
Esto es cierto pero no refleja el cuadro completo, el músico profesional tiene lo que (Machillot, 2018) denomina Poliactividad laboral. Esto quiere decir, llevar a cabo diferentes actividades relacionadas con la misma profesión.
En el caso del músico estas actividades generalmente son: Interpretación, docencia, producción, investigación y gestión cultural.
División de Ingresos del músico
La gráfica de arriba más o menos refleja el ingreso de un músico profesional cuya principal actividad es la docencia en una institución de educación superior.
Un servidor, como parte de un proyecto de investigación, se está dedicando a realizar análisis cuantitativos de la percepción económica de un grupo de colegas. Es importante decir que todos ellos son profesionales que llevan años en la música y tienen formación musical.
De los 63 colegas que al día de hoy respondieron la encuesta, 29 de ellos vive principalmente de la docencia y el resto de sus ingresos proviene de interpretación, producción, investigación y gestión cultural.
23 de ellos vive principalmente de la interpretación de música, y el resto de su ingreso se divide también en las otras cuatro actividades.
Las actividades como producción, gestión cultural e investigación, representan un mínimo de ingreso para los músicos entrevistados. Seis de 63 se dedican a la producción como actividad principal, tres de ellos a la gestión cultural y solamente dos perciben ingreso por investigación. Esto queda representado en la siguiente gráfica:
Ingresos de las población entrevistada
De acuerdo con esta primera revisión de la información, la docencia es el principal medio de ingreso de los profesionales de la música, seguido muy de cerca por los músicos intérpretes. Posteriormente está la producción musical, la gestión cultural y finalmente la investigación.
Algo que se notó en la encuesta es que ninguno de los entrevistados escapa a la realización de las cinco actividades, es decir, en mayor o menor medida todos realizan alguna de ellas. Es comprensible dado que una buena parte de los músicos hoy día son también gestores culturales, productores y maestros de música. Lo que sí hemos visto que ocurre muy poco en la práctica, incluso en universidades que imparten la carrera de música, es el o la músico que realiza investigación.
Hay que mencionar también que de los 63 entrevistados, 61 respondieron a la pregunta: ¿Qué porcentaje de su ingreso proviene de actividades No musicales? 34 de ellos vive de actividades relacionadas a la música y 27 realiza para vivir actividades no relacionadas a la música:
Este primera serie de entrevistas nos permiten comprobar que los profesionales de la música son trabajadores poliactivos. En muchos casos realizan también actividades no cercanas a la música.
Es evidente que quien elige la música como profesión no lo hace por una retribución económica. Una siguiente fase del estudio sería investigar qué la vuelve tan atractiva para seguir abrazándola.
Another idea proposed by Gonzalo Macías in his book Doce Maneras de Abordar la Composición is to begin by drawing the duration of the notes in a melody.
A long line can represent a long note, and the same principle applies to short notes. We created an example based on the following drawing:
On the left side, horizontal lines represent the duration of each note. The vertical lines represent the pulse or beat. In this case, each beat lasts five seconds. The drawing on the right shows its equivalent in rhythmic notation. The reader should note the 5/4 time signature, played at one quarter note per second.
Drawing and its equivalent in notation
That rhythmic pattern is repeated three more times, with variations in the third note of the measure. Finally, a closing gesture is sought for the melodic idea. In the example produced by the author of these lines, the result was the following score:
Notice how the final measures change to 2/4 in order to approach the closing of the piece by fifths.
It is a simple idea; however, it serves to test Macías’s ideas regarding approaches to composition. The final result appears in the following video and is the third piece in the series Miniatures for Bass.
Otra idea que propone Gonzalo Macías en su libro “Doce Maneras de Abordar la Composición” es comenzar haciendo un dibujo de la duración de las notas en una melodía.
Una línea larga puede significar una nota larga, y análogamente funciona para notas breves. Hicimos un ejemplo basado en el siguiente dibujo:
Del lado izquierdo aparecen líneas horizontales que representan la duración de cada nota. Las líneas verticales representan el pulso o beat. En este caso son cinco segundos. El dibujo de la derecha representa su equivalente en figuras rítmicas. Observe el lector o lectora el compás de 5/4 que se toca a una negra o cuarto cada segundo.
Dibujo y su equivalente en notas
Ese patrón rítmico se repite tres veces más haciendo variaciones en la tercera nota del compás. Finalmente se busca un cierre a la idea melódica. En el ejemplo que realizó quien escribe estas líneas dió como resultado esta partitura:
Obsérvese como los últimos compases cambian a 2/4 para ir aproximándose por quintas a un cierre del tema.
Es una idea simple, sin embargo sirva para probar las ideas de Macías sobre acercamientos a la composición. El resultado final aparece en este video y es la tercera de la serie “Miniaturas para Bajo”.
En su primer ejercicio titulado “Cazando una Línea”, Macías propone ir anotando la altura de las notas en el pentagrama sin importar su rítmica.
El objeto de esto es evitar distraerse pensando en ritmo y pulso y buscar enfocarse en la creación de la melodía. He aquí el ejemplo obtenido por un servidor:
Ejemplo Manuscrito “Cazando una línea 2”
Como segundo paso, el maestro Macías propone llevar dicha línea a todos los intervalos posibles de una tonalidad y de tonalidades cercanas.
Posteriormente, se busca dar un sentido coherente a los motivos musicales ahí expuestos. En el caso de un servidor hay dos motivos claros. En el compás 1, está una nota larga seguida de tres más cortas. En el segundo compás una misma nota repetida tres veces haciendo ralentando. Ese mismo esquema de motivo se repite en compases 3 y 4 y después en 4 y 5. Los compases 6 y 7 son básicamente el cierre de la melodía.
Si observamos el diseño, es una melodía tipo call-response, donde el primer compas expone el motivo y el segundo una resolución al mismo. El resto de la composición repite ese mismo esquema con diferentes alturas. Con esto se consigue una coherencia melódica.
En el ejemplo del libro, el maestro Gonzalo decide usar un Fender Rhodes para su interpretación. En nuestro caso decidimos convertirla en una miniatura para bajo eléctrico. He aquí el resultado final:
In his first exercise, titled “Cazando una Línea” (“Hunting a Line”), Macías proposes writing down the pitch of the notes on the staff without paying attention to their rhythm.
The purpose of this is to avoid getting distracted by thinking about rhythm and pulse, and instead to focus on the creation of the melody. Here is the example obtained by the author of these lines:
Handwritten Example “Cazando una línea 2”
As a second step, Maestro Macías suggests taking that line through all the possible intervals within a key and in neighboring keys.
Afterwards, the goal is to give coherent meaning to the musical motives presented there. In my case, there are two clear motives. In measure 1, there is a long note followed by three shorter ones. In the second measure, the same note is repeated three times, creating a rallentando. This same motivic scheme is repeated in measures 3 and 4, and then again in measures 4 and 5. Measures 6 and 7 essentially serve as the closing of the melody.
If we observe the design, it is a call-and-response type melody, where the first measure presents the motive and the second provides a resolution. The rest of the composition repeats this same scheme at different pitch levels. This approach achieves melodic coherence.
In the book’s example, Maestro Gonzalo chooses to use a Fender Rhodes for his interpretation. In our case, we decided to turn it into a miniature for electric bass. Here is the final result:
Los punteros en C son variables que apuntan a una localización física de la memoria en la computadora. Se utilizan normalmente para transferir contenidos de una variable a otra. En el siguiente video se explica su funcionamiento utilizando tres ejemplos, cuyos códigos pueden descargar aquí: punteros ejemplos.
En el siguiente video se explica cómo se utiliza un Array en lenguaje C. Básicamente se trata de una variable capaz de almacenar múltiples valores. Cada Valor va inserto en un índice como se ve en la imagen:
Se recomienda ver el video y seguir los códigos abajo expuestos
Este álbum es una combinación de canciones pop en el sentido tradicional de la palabra y composiciones que hoy algunos llamarían alternativas.
Van intercaladas una con otra para dar más congruencia al contenido y que no se sienta tanto la separación entre un estilo y otro. Habrá quien vea las composiciones “alternativas” como interludios entre las canciones y quizás esa sea su función en el contexto de álbum.
La variedad en estilos no es que sea intencional. Simplemente que para un servidor, este álbum es, una colección de música escrita en la segunda mitad de 2023 y el primer cuatrimestre del 24.
Las composiciones alternativas a falta de otro título descriptivo fueron originalmente ejemplos de canon en la clase que impartió el suscrito de Contrapunto I y II a los alumnos de Licenciatura en Música en BUAP. Excepto Bass on the water que fue para un concurso de Yamaha cuyo vídeo aquí les dejo:
El resto de las canciones fueron escritas como experimentos armónico melódicos, por ejemplo There is only you es la primera de mis composiciones donde aplico la llamada Sexta Napolitana que en realidad es el grado II de la tonalidad descendido medio tono y sustituye al V. La lírica de amor es una dedicatoria a mi esposa Greta.
Every time I think of you es un ejercicio de composición-producción para la materia de Tecnología Musical I en 2023. Go Back se escribió por el mero gusto en ratos libres y Rocking in the End era una inquietud a cerrar el disco con un tema prendido. De hecho es una secuela al tema Ahora o Nunca de Eslabón. Su armonía y pulso son prácticamente iguales, compare el lector o lectora:
Ahora o Nunca de Eslabón
Esa es básicamente mi opinión sobre este último álbum. Por cierto la portada se creó con una app IA donde se pidió poner a Han Solo tocando el bajo en chamarra de cuero. Evocando al personaje favorito de Star Wars de un servidor y haciendo directa referencia al título del álbum.
Carlos, siendo franco 